1. 什么是肖像镜头
在一些比较特别的地方拍照，尤其是古镇或者古迹哪种地方，有些复古装修的餐厅咖啡馆也很适合
2. 肖像用什么镜头
在一些比较特别的地方拍照，尤其是古镇或者古迹哪种地方，有些复古装修的餐厅咖啡馆也很适合
3. 什么镜头也称肖像镜头
没有opporeno5k，只有OPPO Reno5，它搭载FDF全维人像视频技术系统，它的摄像头为前置3200万水光镜摄像头，后置6400万水光人像四摄像头，支持AI焕采视频美颜、AI视频增强和视频超级防抖3.0。实现个性化人像拍摄，同时实现对人像环境的整体优化。
4. 什么是肖像?
所谓的用户画像,就是根据用户的社会属性、生活习惯和消费行为等信息抽象出的一个标签化的用户模型。根据这个模型,给用户提供针对性的服务。简单来说,就是用户信息标签化。
所以,构建用户画像的核心工作就是给用户“贴标签”,而这些标签是通过对用户的信息进行分析而得到的高度精练的特征标志。
5. 什么是肖像摄影
在摄像时，遇到有人叫“摄影师，过来帮我们照一张”，我是摄像师耶，不是摄影师，照像是摄影师的事，摄像师是录像的，一说到录像，有人可能就懂了，哦，是把我的声音也录下来的。可说到摄像师，就有人糊涂了。事实上，对于录像，摄像师是规范的名称。
摄像专门负责动态影像的摄录，而摄影则是专门负责静态画面的拍照，两者既互相联系，又相互区别，摄影只能一张张地拍，但它专注于一张画面的精致，可PS成不同于平时真实的人像；而摄像可以连续摄录多个动作成为一段视频，有声音、有表情、有动作，涵盖好多影视元素在里面，相比于摄影，摄像不好一张张PS，较贴近于真实，但可以调色、对整段视频进行统一画面调整、也可以进行区域修整
6. 拍肖像用什么镜头
17-40镜头是属于佳能的一款广角镜头，这款镜头只适合拍风景，不适合拍人物画像和一些细小的物体。广角镜头是一种焦距短于标准镜头、视角大于标准镜头、焦距长于鱼眼镜头、视角小于鱼眼镜头的摄影镜头。
广角镜头又分为普通广角镜头和超广角镜头两种。普通广角镜头的焦距一般为38－24毫米，视角为60－84度；超广角镜头的焦距为20－13毫米，视角为94-118度。由于广角镜头的焦距短，视角大，在较短的拍摄距离范围内，能拍摄到较大面积的景物。
广角数码相机的镜头焦距很短，视角较宽，而景深却很深，比较适合拍摄较大场景的照片，如建筑、风景等题材。
7. 被称为肖像镜头的是
摄影艺术的样式和体裁繁多。无论何种形式或题材的摄影，均以建构特定的时空为主要特征。肖像摄影，又称人物摄影，是以表现人物形象为主的摄影，包括特写镜头、头像、半身像、全身像和群像等。
8. 肖像人像风格镜头
哈苏XCD 90mm|人像摄影的理想选择。
Gyeonlee;哈苏X1D + XCD 90 作为被偏爱的人像镜头,XCD 90 的视界里,以自然的边缘过度,勾勒出虚实交织的梦幻画面,除了人像,也可胜任旅行、风光、人文等拍摄场景。
这款90mm 镜头焦距既接近人眼视角的平实，又避免了长焦镜头的强烈压缩感，能够保留画面的真实性，均衡地营造出自然而独具韵味的肖像作品氛围，因此在人像摄影领域备受青睐。
9. 肖像摄影用什么镜头
选镜头18-55，理由：体验各焦段视角。
学摄影，我们更重要的是过程，不要太追求细节，你说套机镜头能有多好，很多时候是我们还没有正式步入摄影，体验下自己是否适合摄影，再更新换代。还有些时候，是我们经济真的不允许更高的配置，但是我们真的热爱摄影，所以我们就将就。
器材：NIKON D750 + 24-70
参数：70mm F2.8 1/500 ISO100
10. 肖像镜头是什么景别
民主和包容性是以往平遥的一贯作风，在相当长的时期内起到了繁荣和推动摄影文化普及的作用，但是随着摄影这门消费性技术的普及，摄影的人越来越多，参加展览的人也越来越多，于是平遥的低门槛招展制度也就开始曝露了一些缺陷。这个缺陷就是展出者满意，观看者不满意，因为低门槛造成了展览的低劣化，结果造成对摄影有严肃追求和水平相对较高的人士的疏离。因为人们感觉不到花钱费力去平遥有什么可以获益的。其实这也不仅仅是平遥的问题，其它摄影节也同样面临这个问题。尤其在今天互联网如此发达的条件下，摄影作品的传播方式早就有了巨大的变化，如何经营好一个具有吸引力的摄影节就真是一个大问题了。
最近受平遥大展艺委会主任张国田先生委托，帮助对一些向平遥大展自由投稿的摄影作品进行一些整理，以便让本届平遥大展的总体面貌向专业性和学术性上提升一步。这些作品本来都是像以往那样直送组委会，在获得组委会批准之后自己根据组委会指定的展出区域办展，有点"我的地盘我做主"的味道，但是展出的效果就仁者见仁智者见智了。
组委会给我提供了四十余位作者的作品，有的是直接纪实性的作品;有的是较为主观化的艺术性作品，每位作者的作品均在十五幅左右。由于展览空间展线的限制，十五幅作品显然过多，需要进行适当的删减，以便让每位作者的作品有一个较好的呈现。在编辑过程中，发现了这些朋友们在编辑处理自己作品中的许多问题，比如：
1， 作品的规格不统一，长宽比例紊乱
2， 作品的色彩不统一，黑白彩色混搭
3， 作品的幅向不统一，横幅竖幅交错
4， 作品的镜头焦段不统一，景别上忽远忽近
这些问题非常强烈地出现在这批作品中，一时让我想起这些年很多朋友给我看作品时自己的感受。
照相机的普及化，让许多朋友以为自己拥有了照相机拍出了许多照片就是成功的摄影师了。照相机制造照片的技术会很容易地给许多人以幻觉，殊不知那些照片在本质上和文字并无太大的区别，都是需要人们将其散乱的碎片般的照片加以编辑组合，才能形成一个完整的语句，达到表述自己思想的目的。
在物质匮乏的时代，摄影是奢侈的，而且也和单幅绘画有一段同步的时期，所以人们对照片的评价有相当部分和对绘画的评价一样，把它当成一个独立的意义解释对象。很长时间，各种摄影展览都是以单幅作品为主。单幅作品在那个时期可以满足人们在两个方面简单的需求，一是政治性宣传，一是唯美的需求。这两类需求都不要求影像进行复杂的叙事，也就是说单幅的影像可以独立成章。再加上匮乏时代允许的低产出门槛，独幅作品的展示自然也就顺理成章了。
随着物质社会时代的来临，家庭恩格尔系数不断降低，原来昂贵的摄影器材在整体提高的物质生活水平中显得低廉化，摄影消费在城市人群中越来越高，摄影已经成为人们普通的生活方式之一。对于职业的摄影家和以摄影作为表现媒介的艺术家们来说，独幅的摄影作品就显得过于单薄和孱弱了。另一方面，社会展览空间的拓展和泛化，也给艺术家和摄影家提供了更充分表达自己的空间，于是以规模化的影像展示渐渐成为主流。既然规模化，就要产生规模系统的内在语言逻辑关系，而不是规模化的碎片呈现。展什么，怎么展?就成为一个必然考量的问题了。在这些问题的思考中，人们开始产生和总结经验。在诸多经验中最重要的一条，就是展览语言的纯粹性和集中性。每一个展览，必须做到语言单一，突出主题，不要面面俱到。也就是说，一个展览解决一个问题。要做到主题明确，语义清楚，让观众在欣赏中看到作者的明确思想和专业品格。
首先话题要集中，只呈现自己要表达的一个思想内容和技巧风格。不要说东说西，面面俱到，说事就是说事，不要再考虑无关的技巧，不能炫技。最大的技巧就是一个技巧，不要再生枝节。比如：你是要表现一种悱恻的心情，就注意作品整体的朦胧性，任何写实性的元素都要淡化;你是以表现人物肖像为主的，就要注意肖像的景别必须统一，是头部特写的就不要夹杂半身像;你是表现生活场景的，就需要注意作品镜头焦距段的统一性，不要远景近景什么都有，那是给传媒杂志的报道性摄影才需要的;展出作品的幅面方向应该一致，不要横幅竖幅夹杂，要不都是横幅，要不都是竖幅，必须一致;要注意色彩和色调的统一性，高明的人甚至考虑到了作品颗粒的一致性，不要影调忽明忽暗。
以上这些主要是指艺术性的作品展示。如果展示报道性的图片故事，则只需注意影调色彩的统一性即可，其它是不太受限制的。
其实这些都是常识性的问题，但常识却往往是最容易被人所忘记的，甚至有些朋友干了一辈子还是不注意这些基本的常识，就是件非常遗憾的事儿了。
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