1. 西方摄影艺术
20世纪西方艺术最大的特点，一是对传统的借鉴打破了民族、地区、国家、时间等人为的或自然的障碍而更具世界性；二是各门类艺术之间相互影响更趋密切。 例如，美术创作借鉴了电影和摄影手法，借鉴了文学中的意识流，试图把音乐的抽 象性移植到绘画中等等，这些都明显地带有实验性。
在美术内部，各种形式也相互 借鉴、融合，以致一些传统的分类和观念已失去了存在的价值。19世纪末的象征主义为20世纪各种艺术倾向打下了基础。20世纪西方进入了 个性化的时代，强调个性和内省反思是社会的和个人的价值判断的立足点。
“反传 统”成为这个世纪艺术的主流。各种“主义”和“运动”就是由所谓前卫的年轻一 代艺术家发动的。 他们的创作更深地卷入到艺术家的个人世界之中，更强烈地表现 他们的个性。
因此20世纪西方艺术更倾向多样化，更具多变性和主观随意性。
2. 西方摄影艺术家
1、“后印象主义”(Post—Impressionism)
“后印象主义”被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。
后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。塞尚认为：“画画——并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。凡高和高更则专注于精神性与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。
后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
代表人物及代表作品：
保罗·塞尚(Paul Cezanne，1839—1906)《戴帽的自画像》《圣维克多山》；
凡高 (Vincent van Gogh，1853—1890)《自画像》；《向日葵》；
高更(Paul Gauguin，1848—1903)《带光环的自画像》；《黄色基督》；
2、“立体主义”(Cubism)
在西方现代艺术中外，立体主义是一个具有重大影响的运动和画派。其艺术追求与塞尚的艺术观有着直接的关联。立体派画家自己便曾声称：“谁理解塞尚谁就理解立体主义”(哈德史·奥斯本《20世纪艺术中的抽象和技巧》，四川美术出版社，1978年，第87页)。立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示，试图在画中创造结构美。他们努力地消减其作品的描述性和表现性的成分，力求组织起一种几何化倾向的画面结构。虽然其作品仍然保持着一定的具象性，但是从根本上看，他们的目标却与客观再现大相径庭。他们从塞尚那里发展出一种所谓“同时性视象”的绘画语言，将物体多个角度的不同视象，结合在画中同一形象之上。例如在毕加索的《亚维农的少女》一画上，正面的脸上却画着侧面的鼻子，而侧面的脸上倒画着正面的眼睛。一般说来，《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品，而立体主义运动则通常可分为两个阶段。一个阶段是1912年之前的所谓分析立体主义。画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统，试图通过对空间与物象的分解与重构，组建一种绘画性的空间及形体结构。1912年以后，立体主义运动进入第二阶段，通常称为综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体主义虽然是绘画上的风格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。
代表人物：
毕加索(Pablo Picasso，1881—1973)《亚维农的少女》；《格尔尼卡》；
乔治·布拉克(Georges Braque，1882—1963)《埃斯塔克的房子》；
莱热(Fernand Leger，1885-1955)《三个女子》；
格里斯(Juan Gris，1887--1927)《吉他与乐谱》；
3、“野兽派”或名野兽主义(Fauvism)
自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。野兽主义得名于1905年巴黎的秋季沙龙展览，当时，以马蒂斯为首的一批前卫艺术家展于同一层厅的作品，引起轩然大波。有人形象地将这些画称作“一罐颜料掼在公众的面前”。而那位后来创出“立体主义”名称的《吉尔·布拉斯》杂志的记者路易·沃塞尔，则突发灵感地想到了这一恰也合适的名称。他在那个被刺目的色彩弄得喧嚷不已的展厅中央，发现马尔凯(Albert Marquet)所作的一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多那太罗被关在了野兽笼中!”(多那太罗系意大利文艺复兴时期杰出雕塑家：笔者注)。不久，这一俏皮话便在《吉尔·布拉斯》杂志登出，而“野兽主义”的名称也很快被广“泛地认同。翌年当“笼子”里的“野兽”倾巢而出，举行一个接一个惊人的展览时，野兽主义则已是影响巨增，势头高涨了。这一初含讽刺意味的名称，后来也逐渐失去了它的贬义。
代表人物及代表作品：
马蒂斯(Henri Matisse，1869—1954)《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》；《红色中的和谐》；
弗拉芒克(Maufice de Vlaminck，1876—1958)《塞纳河畔的采石场》；
德兰(Andre Derain，1880—1954)《威斯敏斯特桥》；
4、表现主义(Exprisseonism)
表现主义(Exprisseonism)一词，是德国艺术评论家威廉·沃林格(Willem Worringer)在其发表于1911年8月号《狂飚》杂志的一篇文章中首次采用的；他把这个词，与塞尚、凡高和马蒂斯等人的艺术联系在一起。1912年在狂飚美术馆举行的“青骑士”画展，再次被冠以这个名词。从此，该词便成为德国艺术中诸多偏于情感抒发的倾向的名称。从广义上说，表现主义可用于所有强调以色彩及形式要素进行“自我表现”的画家，但其特指的含义，则是基于二十世纪初叶德国的三大艺术运动，即“桥社”(Die Brucke)、“青骑士派”(Der Blaue Reiter)和“新客观派”(Die Neue Sachlichkeit)。
桥社1905年成立于德累斯顿，1913年解体。其成员有基希纳、黑克尔、施密特一罗特卢夫、布莱尔、佩希斯泰因和诺尔德等。“桥社”一词是由施密特一罗特卢夫从尼采的名著《查拉斯图拉斯如是说》中引用而来。作为一个旨在开辟艺术与生活新途径的艺术社团的名称，其含义是，“联结一切革命和活跃的成分，通向未来。”1905年，桥社发表宣言称：“凡觉得必须表现内心的信念，并是自发而真正诚意的表现者，都是我们中的一员。”1907年，桥社致函诺尔德说：“桥社宗旨之一一一如它的名称所意指的——是容纳现在孕育中的一切革命因素。”对桥社艺术家影响最大的，是挪威画家蒙克那充满强烈悲剧情感的画作。桥社画家对于社会问题极为关注，其作品强烈地反映了当代生活极端平淡及令人不安与绝望的一面，体现出“北方艺术的焦虑”。“该派画家均具有病态的敏感与不安，被宗教的、性的、政治和精神的烦扰所折磨。”(雷蒙、柯尼亚等合著，徐庆平等译：《现代绘画辞典》，人民美术出版社，第46页)。虽然桥派画家曾受到法国野兽派画家的影响，然而其作品风格却显然与野兽派画风迥异。野兽派即使是最狂放的作品，也总是保持构图的和谐、色彩的装饰性与抒情性，而桥派画家则早把这一切抛到九霄云外。在他们作品中，扭曲的造型与浓烈的色彩，体现了某种朦胧的创造冲动以及对既有绘画秩序的反感。基希纳曾在1913年写道：“我们相信，所有的色彩皆直接或间接地重现纯粹的创造冲动。”因而，桥派绘画往往呈现出一种粗犷及狂风骤雨般的气势，这是较古典的法国气质所没有的。
青骑士社，得名于康定斯基1903年所作的一幅画的标题，1911年从慕尼黑新艺术家协会分离出来。其成员有俄国人康定斯基、雅夫伦斯基、德国人马尔克、麦克、闵特尔以及瑞士人克利等。青骑士社画家总的来说并不关注于对当代生活困境的表现，他们所关注的是表现自然现象背后的精神世界，以及艺术的形式问题。在宣告该派成立的画展目录上，写着下面这句代表该派宗旨的简单声明：“我们要确认一种固定的形式；目的是在再现的形式的多变中表明艺术家如何以各种各样的方法表现其内在的灵感。”奥古斯特·麦克也这样写道：“艺术的目的不是科学地仿造和检查自然形态中的有机因素，而是通过恰如其分的象征创造一种缩略的形式。”(《世界艺术百科全书·I》，上海人民美术出版社，第73页)。
新客观派出现于1923年。严格说来，它不是一个画派的名称，而是一个展览会的名称。该名称是由德国曼汗艺术馆馆长哈特劳伯(C、F、Hartlaub)提出；他在1923年所策划组织的那个新现实主义画展，便被冠以“新客观派，表现主义以来的德国绘画”的标题。参加展览的这批画家主要有格罗斯、迪克斯和贝克曼等。这是一群不满于现实的艺术家。他们大多出生于1890年前后，青年时代正逢第一次世界大战和战后德国的政治动荡时期，因此，他们不象其表现主义前辈那样只关心形式与精神的问题，而是热衷于用艺术表现他们所处的现实，揭示社会的腐朽和阴暗。佩希斯泰因以下一段陈述，清楚表达了新客观派画家的思想：“我们画家和诗人必须在神圣的团结中与穷苦大众保持密切联系。我们许多人懂得饥饿的痛苦和羞辱。我们觉得在一个无产阶级社会中更加安心。我们不想依靠资产阶段收藏家的怪念头……我们必须是真正的社会主义者，必须激起最高尚的社会主义美德——四海之内皆兄弟。”(《世界艺术百科全书选译》，上海人民美术出版社，第74页)新客观派画家曾受桥社和青骑士社画家影响。不过，他们并不极端地分解和歪曲客观现实，而往往关注于对细节的真实描绘，同时，他们也把抽象的绘画语言，运用于对客观现实的真实揭示之中。
代表人物及代表作品：
爱德华·蒙克 (Edvard Munch，1863—1944）《呐喊》；
思索尔(Jams Ensor，1860—1949)《1889年基督进入布鲁塞尔》；
施密特一罗特卢夫(Karl Schmidt—Rottluff,1884—1976)《戴单眼镜的自画像》；
5、未来主义(Futurism)
未来主义(Futurism)首先是一场文学运动，它最初由意大利诗人马里内蒂(Filippo Tommaso Marinetti，1878—1944)一手炮制。在1909年2月20日的《费加罗日报》上，马里内蒂以浮夸煽情的文辞推出了“未来主义宣言”，号召扫荡一切传统艺术、创建能与机器时代的生活节奏相合拍的全新艺术形式。未来主义自此诞生，并迅速由文学界蔓延渗透至美术、音乐、戏剧、电影、摄影等各个领域。在一连串形形色色的宣言、声明的强力扶持下，它一度声势喧赫、影响深广。
未来主义热情讴歌的是现代机器、科技甚至战争和暴力。他们迷恋运动和速度，要求“摧毁所有的博物馆、图书馆和科学院”，割断历史以白手起家，创造全新的艺术。在他们看来，“这个世界由于一种新的美感变得更加光辉壮丽了，这种美是速度的美。……如机关枪一样风驰电掣的汽车，比带翅膀的萨莫色雷斯的胜利女神像更美。”(1909年，未来主义宣言)如何把这种文字描述的画面展示在画布上，使之成为一种真正的视觉形式——绘画呢?这是聚集在马里内蒂周围的那些画家们所努力探寻的。未来主义画派的中坚力量是五位意大利人：波丘尼、卡拉、巴拉、塞韦里尼、鲁索罗。1910年2月11日，《未来主义画家宣言》发表，并于3月3日在都灵的一家剧院公开宣布。4月11日，《未来主义绘画技法宣言》再度出炉。这五位画家都在宣言上签了名，展示他们跃跃欲试的抱负。1912年2月，在巴黎颇有名气的伯恩海姆——让画廊举办了首次未来主义画展，这意味着未来主义画派正式确立。随后，在伦敦、柏林、布鲁塞尔、维也纳、芝加哥、阿姆斯特丹、海牙、墨尼黑等地相继举办了多次未来派画展。如此，未来派逐渐走出国门而成为世界现代主义运动的重要组成部分。
未来主义绘画致力表现的是“现代生活的漩涡——一种钢铁的、狂热的、骄傲的、疾驰的生活。”(1910年，未来主义绘画宣言)画家们努力在画布上阐释运动、速度和变化过程。空间不再存在，物体从不静止，它们永不停歇地运动并相互穿插，一如那些画家们所描述的，“我们的身体穿透我们所坐的沙发，沙发也穿透我们的身体。”在把理论变为实践的过程中，未来主义深受新印象主义和立体主义的影响。它借鉴了新印象派的点彩技术，其色彩大多比较强烈，如被棱镜分解过一般呈现出某种特别的闪烁波动。它也借鉴了许多立体主义的形式语言，并与立体主义一样，致力于传达现代工业社会的审美观念。然而它们之间的不同也是显而易见的：立体主义是一种静止的几何构成，它通过分解重构展示机械的静态美，而未来主义追求运动和变化，那些令人眼花缭乱的五光十色的场景诉说了艺术家对工业文明的狂热和激情。1914年爆发的战争意味着未来主义画派的解体。随着画派的重要人物波丘尼于1916年意外死亡，这个集团便再无可能重新组织起来。但其影响并未随之而逝。
代表人物及代表作品：
贾科莫·巴拉(Ciacomo Balla，1871—1958)《被拴住的狗的运态》；
翁贝特·波丘尼(Umberto Boccioni，1882—1916)《城市的兴起》；
吉诺·塞弗里尼(Gino Severini，1883—1966)《塔巴林舞场有动态的象形文字》；
3. 西方摄影师
埃尔温·布卢门菲尔德（ 1897-1969），著名德裔美国摄影家。他在美国的生涯极为成功，作为一名自由职业者，曾长期与《时尚芭莎》《时尚》顶级杂志合作，收入颇丰。
胶片时代，埃尔温·布卢门菲尔德是一位冲洗技术的绝顶高手，他对多重曝光、照相蒙太奇、萨巴蒂效应等技法的运用也达到了炉火纯青的地步，也因此炮制了一批让人称奇的作品。此外，作为具有犹太血统的德裔，他在二战期间的经历也为其生涯增添了一抹传奇色彩。布卢门菲尔德的作品可大致分为两类，一类是为谋生所需的“常规时尚照片”，另一类则是极具其个人特色，带有超现实主义风格的另类作品。其中甚至包括部分为时尚杂志提供的商业作品，可谓“离经叛道”。在这些作品中，你可以体会到布卢门菲尔德对曝光，构图，阴影，镜面折射、反射，蒙太奇，萨巴蒂效应等手法的灵活运用与探索。你可以感受到，虽然他从事时尚摄影职业，但骨子里依然继承了达达主义的遗风。在时尚摄影圈，这相当难得。
1969年7月4日美国国庆日，73岁的埃尔温·布卢门菲尔德正游览意大利古都罗马，他流连于著名的西班牙阶梯，往返多次，不料因疲劳而诱发心脏病，最终倒在了西班牙阶梯上，一睡不醒。
4. 国外摄影艺术
斯蒂芬•肖尔（Stephen Shore），1947年出生于美国纽约，是“新彩色摄影”流派的领军人物。
作为上世纪70年代兴起的“新彩色摄影”的代表性人物之一，斯蒂芬•肖尔的作品极为精练耐看，这得益于他广博的艺术背景和高度集中的注意力。
他对色彩的掌控和对节奏的把握接受了时间的考验，摒弃了摄影可能产生的做作和矫情。
“彩色可以拓展照片的色调，并为影像增添新的描述含义，使其更加明了。我们更容易看明白彩色照片，是因为彩色更接近于肉眼所看到的现实世界。彩色给照片增添了新含义，因为它可以显示出光的颜色，以及一种文化或一个时代的各种颜色。”
斯蒂芬•肖尔在《照片的本质》中这样评价彩色照片，他对彩色摄影的探索和实践影响了以后几代的摄影家。
5. 西方摄影艺术家,男女之情的艺术作品
女裸父画，炒作还是艺术？（关注葛大小姐，天天历史故事！）
2015年1月，在重庆黄桷坪首届艺术节上，画家李壮平展出了《东方神女山鬼系列》油画作品，本是平平无奇的一组画作，后来经过当地媒体曝光，大家才知道画中那位典雅脱俗的“女神”竟然是老画家的亲生女儿。
父亲、女儿、裸模，几个词组合在一起，极大的触动了很多人的神经，100年前，画家李海粟画了中国第一幅裸体人物画，冲击了当时国人的神经，当时被骂为艺术叛徒，100年后李壮平和他的女儿李勤与他们的油画《东方神女山鬼系列》注定是当年最惊人的事件。
李壮平和女儿李勤
父画女裸的事件始末
李壮平，生于1948年，作为画院院长、艺术院校的教授，他潜心作画数十年，对国画、油画深有研究，但也只是在当地有些名气，一直没有闯出大名堂。女儿李勤毕业于四川美院，受父亲的影响，最终走上了艺术创作的道路。
李壮平的这幅作品《东方神女山鬼系列》的创作灵感来自《楚辞 九歌》，是中国神话传说中的一种远古歌曲，战国楚人屈原在楚国民间祭神乐歌基础上改编而成，大多是人神恋歌，《九歌》共有十一篇，《山鬼》就是其中的第九首。
屈原说，山鬼是“身披石兰腰束杜衡”的窈窕少女，驾乘赤豹后跟花狸，前往与情人幽会，很多的画家都从山鬼中获得创作灵感，李壮平也一直在筹划山鬼系列作品。
在寻找模特的过程中，他将目光落到了17岁的女儿李勤身上，“我的女儿出生在重庆，她长大了，又酷爱艺术，她的形体和天生丽质，就是我要塑造的巫山神女的形象。”，当正在读高三的李勤听到父亲的想法后，她当场就拒绝了，让女儿给父亲当人体模特，这像什么话！虽然出身艺术世家，但是她一时还接受不了，就连拍艺术写真她都不敢，何况是人体模特。
半年后，李勤考上了四川美院，第一次看到人体模特的她非常紧张，随着学习的深入，他逐渐明白了父亲的想法，于是主动提出要和父亲一起完成这幅作品，刚开始时，她简直不敢想象自己有多尴尬，但是很快克服了心理障碍。
李勤说“别人让我当摄影模特，我都不敢，但是父亲是一个正直的人，让我有安全感，为艺术，尤其是为父亲的艺术献身是一件很纯洁的事儿！”
于是，父女二人整整画了5年，创作了30多幅作品，作品完成后，李壮平将作品拍成照片，做了一本画册，由四川美术出版社出版，同年，父女二人带着出版的画册，参加了重庆黄桷坪首届艺术节，很快就轰动了全国，虽然已经有了思想准备，但是舆论还是像洪水猛兽一样涌向他们，一篇名为《父亲让女儿做裸模可敬还是可耻？》的帖子转载率最高，网友称，画家找裸模没有异议，但是不能不顾传统的伦理道德，把女儿当成创作工具，还有人干脆怀疑李壮平是借此炒作，这让李壮平父女感到了前所未有的压力。
而李壮平则表示，让女儿当自己的裸体模特，从没有在伦理上进行考虑，创作时，一切就像小时候他给女儿洗澡一样，女儿9岁就开始学画，自己有意不让她和外界有过多的来往，女儿身上冰清玉洁的气质，特别符合作品的精髓。李壮平的爱人表示，父女俩创作时，她经常在一旁欣赏。
而作为女儿的李勤自从网上被大量报道后，她就很少迈出家门，包括春节也没有出门串亲戚，看到不好的言论经常哭。
李壮平感到对不起女儿，“最让我哭笑不得的是，我们的事儿居然还上了一本国外的色青杂志。”，虽然郁闷，但是李壮平还是很乐观“好在不少职业画家和美院教授一直在鼓励我们，因此我应该坚持下去。”。
这里就包括著名美术批评家、四川美院教授王小箭的评价“在我们艺术圈里，有让妻子做模特的，但拿自己亲生女儿做模特的，还是第一次看到，这需要突破的不仅仅是一般的社会观念，还要冲破伦理、道德的重重藩篱。李氏父女合作创作《巫山神女》这样唯美的油画作品，实在让人感动。”
一些网友的声音：
有没有毁三观、违背伦理，这里不过多解释，每个人都有自己的理解，但是只要他做的，对社会没有危害，我们大可不必如此愤世嫉俗，每个人都有自己活着的道理和想法。
李壮平否认炒作一说，不过他透露，找他买画的人很多，但自己的《东方神女山鬼系列》30多幅作品不打算卖，“我想今后建一个东方神女博物馆，作品全在里面展出，如果非要给我的作品标价，我想肯定是和陈逸飞作品一个档次的，至少要7位数。”
随后的几年里，这件事逐渐淡化，人称神女的李勤也恢复了往日的青春靓丽，李壮平也开始潜心绘画，两年后的“虎跃盛世——中国书画名家画虎作品展”上，李壮平父女的“东方神女”山鬼系列中的作品《星空》标价800。
李勤和她的作品
父女二人又继续创作了《海上女神》系列、《南海观音》、《海神妈祖》等，他们的一幅油画《任何困难都难不倒英雄的中国人民》，专家估价1800万，李壮平无偿捐赠给了四川博物院，如今，李壮平父女的油画一幅标价高达800万。
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